所谓通俗音乐（流行音乐），准确的概念应为商品音乐，即以盈利为主要目的创作的音乐。它的商品性是主要的，艺术性是次要的。有些歌曲虽然用通俗唱法演唱，但它的思想性、艺术性较高，这类歌曲不属于商品歌曲。如《大中国》、《众人划浆开大船》、《亚洲雄风》、《十五的月亮十六圆》、《好大一棵树》等。

其实歌曲的类型和唱法没有必然联系，不能认为艺术歌曲只能用美声唱法演唱，民歌只能用民族唱法演唱，通俗歌曲只能用通俗唱法演唱。首先，三唱法的划分本身就是不甚科学合理的，这一点已被音乐界所公认，没有任何音乐家会认为三唱法的划分是完全科学合理的；其次，唱法目前有三种（如果加上原生态唱法和童声唱法则有五种），但歌曲的类型远不止艺术歌曲、民歌、通俗歌曲三种，还有颂歌、抒情歌曲、进行曲、队列歌曲、军旅歌曲、校园歌曲、讽刺幽默歌曲等多种类型；再次，音乐界无数事实证明，同一首歌可以用不同的唱法演唱。著名歌唱家刘秉义演唱过许多台湾校园歌曲，用的是美声唱法。香港歌星奚秀兰演唱过许多民歌，用的是通俗唱法。这样的例子举不胜举。

“商品音乐”这一概念比任何一个概念都科学、合理、准确。单从字面上看，“通俗”指易解易懂，“流行”指广为流传，这样看来象《义勇军进行曲》、《歌唱祖国》、《东方红》《南泥湾》等歌曲也可以称为通俗歌曲或流行歌曲。咋一看很荒唐，细想一下也不是完全没有道理，因为这些歌曲都是通俗易懂、流传很广的。但是，这些歌曲是决不能称为商品歌曲的，因为它们决不是以赢利为主要目的创作的。从这一点也可以看出“商品音乐”这一概念是科学、合理、准确的。

人类的音乐生活可以追溯到远古，人类社会的音乐艺术是丰富多彩的。当我们审视整个音乐艺术天地，可以发现，它大致呈现为两个部分：一是民间音乐（在很大程度上是传统久远的乡村音乐），一是艺术音乐（或曰严肃音乐、古典音乐）。在这中间，有一个广阔的地带，那便是通俗音乐（或者叫做流行音乐）。我们很难给通俗音乐划定一个明确的界限，它与艺术音乐以及民间音乐之间互相渗透、互相结合，组成一个五彩纷呈的音乐世界。不过，在一般情况下，它们三者之间的分野还是十分清楚的。

通俗音乐一词，早见于19世纪的演出报导中。第二次世界大战以前，通俗音乐通常包括爵士音乐、拉丁美洲的伦巴和探戈等歌舞音乐、一般电影歌曲、音乐剧、世界流行的地方性音乐（如美国新民歌、意大利的那不勒斯歌曲、法国小曲、黑人灵歌、夏威夷音乐、中国的时代曲等）。第二次世界大战后，通俗音乐的名目更为纷繁，除上述类别外，又加进了摇滚乐（曾译摇摆乐）、新摇滚乐、乡村与西部音乐、黑人的灵魂乐与布鲁斯、迪斯科、怡情音乐等。其中还有各种各样的变种。摇滚乐则有民间摇滚、东海岸摇滚、西海岸摇滚、迷幻摇滚等。此外，还有许多支流，如迪斯科发展中有扭扭舞、巴沙诺瓦以及今日的霹雳舞。有人还把轻松活泼的军乐，以及根据古典和通俗的世界名曲改编和选奏的音乐（如把世界名曲主题串联一起，用摇滚乐或迪斯科节奏来演奏的“连环扣”，以J.海顿《F大调弦乐四重奏》的第2乐章改编成单独演奏的《海顿小夜曲》，从П.И.柴科夫斯基的舞剧《天鹅湖》中选出来的舞曲），也都概括在通俗音乐之内。至于中国或其他国家的革命群众歌曲，从体裁、形式以及许多特征来看，事实上与通俗音乐并无不同，但为了突出这种歌曲在该国某一历史时期所起过的积极作用，通常把革命群众歌曲作为专项列出，不包括在通俗音乐之内。

早期通俗音乐的创作和演出多是商业性的，在城镇中进行，因而有别于乡村色彩浓郁的民间音乐；同时，它不具有艺术音乐的那种规范性与稳定性。它的早期，在多种情况下只是口头流传。故此，有人说，通俗音乐乃是有别于艺术音乐和民间音乐，泛指一种通俗易懂、轻松活泼、易于流传、拥有广大听众的音乐。更有人说，它即是“大众的音乐”。

据国外的音乐史家们研究，在公元前的古罗马、古埃及一带，以音乐为生的行吟歌手们说在兴起的城市集镇间流动，遍及剧场和街市的“击”歌现象，为广大平民们所喜爱。到了中世纪，通俗音乐几乎覆盖了广大的社会生活和艺术天地。

“通俗音乐”一词作为专有名词最早出现在19世纪欧洲报刊的演出报道中，进入20世纪后，尤其是第二次世界大战后，风格更为丰富的通俗音乐层出不穷，迎合了大众的审美观念，因而风靡全球。在我国，通俗音乐主要指上世纪70年代后，兴盛于港台地区的音乐形式。从音乐学上讲，通俗音乐应当归为大众流行音乐的范畴。

如今的大众流行音乐风格更加细化也更加独立，每种风格都有为之倾注心血的创作者和研究者以及爱好者，但总的来说，通俗音乐仍然是饱含亲和力并富有时尚性的音乐形式。

中国通俗音乐的起步期可追溯至20世纪初，诞生于1927年的《妹妹我爱你》《毛毛雨》等歌曲是我国通俗音乐诞生的标志，而这些流行歌曲的创作者黎锦晖则被誉为通俗音乐的奠基人。50年代后，通俗音乐的流行中心转为港台，由此开始了长达将近二十年的沉寂期。到了20世纪70年代，改革春风吹开国门，也带来了通俗音乐的再度兴起，以邓丽君为代表的通俗音乐给大陆地区带来了重要影响。80年代后，通俗音乐开始向多元化发展，这个时期以“西北风”和崔健的“摇滚”为代表，通俗音乐的繁荣时代正式来临。90年代至今通俗音乐进入了开放分化期，我国通俗音乐受欧美、日韩乐坛的影响越来越大，变得更加时尚、另类、超前，更加贴近当代快节奏社会生活的审美要求，旋律淡化，节奏强化，曲式多样化。

经过近百年的起伏发展，通俗音乐已渐成型，分成了几个基本的风格类型：民谣风格（新民谣、校园民谣等）、都市浪漫风格（情歌等）、摇滚乐（欧美摇滚、本土摇滚等）、西北风、新时令小调等类型。与此同时，在艺术形式上也形成了自己的美学特征，下面笔者就将对这一问题展开论述。

凝炼、简洁的音乐表现手法

1.同音反复型和迂回绕唱型是通俗音乐两种主要的乐曲旋法。同音反复型虽缺少歌曲的旋律性，但采取平和语调来表达歌曲内容，听来更为自然。迂回绕唱则采用平稳行进的模式，很少使用音程大跳，让旋律线条呈现出小波浪的形态，虽缺少动感，却听来更加舒展。从音乐美学角度来看，这两种旋律手法都质朴无华，符合当代人追求平和的审美心态。

2.音符密集度较高，旋律气韵短促。叙述性旋律的表现方式更接近于西方歌剧的宣叙调手法，目的就是陈述，而不在声音展示方面考究设计。这样的美学特征使得通俗音乐的旋律类似日常口语表达，增强了亲和感、舒适感，更加贴近大众的内心情感世界。

3.和声运动逻辑被淡化，使运用更加自然。传统意义的和声功能逻辑序进思维是“主→下属→属→主”，对于这一思维，通俗音乐的创作者进行了颠覆，不但较少将其运用于作品中，就连中国民乐中最常见的“起、承、转、合”的旋律表现手法也很少运用。通过改造，通俗音乐在和声方面的特征表现为即兴和自由，情至则乐至，全然不顾传统作曲手法，而只遵从内心召唤，这种思维的运用使得和声在音乐美学上更加灵动、洒脱、自由，听起来清新又轻快。

4.相较于艺术歌曲，通俗音乐的节奏都较为规整，在一支歌曲中使用的节奏型往往会重复。在摇滚乐中这种现象表现更为突出，一个简单的节奏型被反复运用于乐曲中，这样做的优点是稳定的节奏更易于给听众留下深刻的印象，因而也就更易于表达歌曲的精神。

5.对于音域的使用，通俗音乐不着重追求大跨度的音乐表现手法，中音区使用较多。通俗音乐的这一特征也更加印证了其作为大众流行音乐的普遍适用性。随着通俗音乐消费群的逐步建立，歌曲编创的日臻成熟以及传媒商业化的发展，促进了通俗音乐商业性的形成。到了上世纪90年代后期流行文化的娱乐性和大众文化的代表性都已完备，广泛而又迅速地渗透到我国大众音乐领域的各个层面中。而作为流行文化的重要表现形式的通俗音乐也具有了很强的商品属性，所以其创作标准也就更加贴近大众的演唱技术和音乐素养——这是由于民众并非都获得过系统的音乐训练，而市场化的基本要素就要求通俗音乐具备广泛推广的特点所决定的。如此，在市场因素的作用下，通俗音乐具有了大众音乐美学的世俗性，因而传播更广更快。

6.通俗音乐的曲式结构较为简单，常见曲式结构有一部曲式（如谷建芬《烛光里的妈妈》）、单二部曲式（如冯晓泉《中华民谣》）、单三部曲式（如李泰祥《橄榄树》）。通俗音乐在运用这三种曲式创作时，一般都只有一个简洁的前奏而不包含尾声，这样使全曲更加连贯，给听众一气呵成的顺畅之美。此外，音乐情绪与所表达内容高度一致、简单清晰，便于记忆。

趋于语言化的演唱方法

美声唱法和民族唱法都会在发声方法上努力追求语言的清晰准确来保证声音圆润，而通俗唱法却更加关注歌词的演绎，甚至超越了对歌唱声音的关注，这在音乐史上是从未有过的。美声唱法强调共鸣、发音位置、呼吸，而咬字清晰则是从属于发声的要求。民族唱法虽借鉴了这一点，但是却更加注重对歌词的表现。而作为大众流行音乐的通俗歌曲，其强烈的大众参与性、表现手法的朴实性、歌词的通俗性等特点就决定了其语音化的歌唱方法。此外，伴随着电声技术的升级，通俗音乐的风格和技巧也不断发展，除了强调歌词表现而淡化对声音的深度挖掘外，它更侧重追求语言亲切感而非穿透力。在声音审美方面，通俗音乐强调贴近生活中的语气和声色，自然流露，传情感人。尽管学院派批评通俗音乐缺乏技术，但以宽广的视角来看，声音与音乐审美取向密切相关，既然是为大众所接受的音乐形式，那么也就没有必要以绝对标准来约束。

作为大众性娱乐文化之一的通俗音乐具备了大众文化的最基本特征，也形成了自身独特的演唱方法。一方面歌手受学院派的影响较小，部分歌手甚至没有经过系统的声音训练，这就给予他们声音自由发挥的空间，使流行乐坛百花齐放、各具特色。首先，歌手可根据自身特点选择喊声、真声、假声、沙声等发展演唱风格。这就使得通俗音乐从美学角度来讲更具有欣赏性。其次，电声设备的运用可以扩大歌手的音量，美化歌手的声音，更加增强了通俗音乐的可听性。另一方面，通俗音乐时代化、个性化、生活化的特点更有利于最大程度展现美学上的艺术感染力，使听众完全融入歌曲氛围甚至参与进来。

由此可见，通俗音乐以其简洁朴实的音乐形式、直白传情的语言，通过大众化的方式贴近生活、贴近时代，真切地反映了百姓的文化需求、心理诉求和审美取向，从而被广为接受和欣赏。通俗音乐的兼容性、多样性赋予了它不一样的美学特征，因而也就产生了独特的美学意义，这也是我们尊重、发展和传承通俗音乐的重要原因。

二十世纪以来，随着现代工业文明和工业城市化的兴起发展，涌现出一种娱乐性“通俗音乐”文化。人们在日益加强的生活压力下，努力寻求一种解脱，一种发泄，一种反传统的叛逆性格。“通俗音乐”就是在这样的背景下产生的。这种音乐形式不拘泥于结构，较少拘于成规，较原有音乐相比有朴素的美感，清新的音色，民间的气质和暖暖的人性浸染，使人容易接近而不会拒人千里，不要求很高的音乐素养就可以欣赏。强调独立人格，强调对时代和对社会的感受，强调一种不妥协的精神，在对立的年代中，勇敢的反映了现实，反抗传统束缚，反抗强权政治，反抗文化专制。

这样原有的音乐形式也就相对的被称为“严肃音乐”。“严肃音乐”通常是指各种传统经典音乐和一切专业作曲家用传统或现代作曲手法所创作的音乐。并且，“严肃音乐”的传承是以学院式的严格训练来实现的，严肃音乐家总是力图在作品中最充分地展示个性，诠释深刻的命题，追求音乐技巧的创新和完美。因此，严肃音乐作为一种“精英文化”，它的创作者、演奏者、欣赏者都必须具有一定的文化素养和音乐修养。而这也就必然地将很多人或者说是绝大多数人排斥在外，而成为一种象征，是所谓社会上层的独享，象征着文化品位与社会地位。甚至在人们的潜意识中造成通俗音乐与严肃音乐的隔阂。

二者作为两种音乐形式，无所谓高低贵贱之分。我们知道，“严肃音乐”起源于西方古典音乐，萌芽于中世纪的基督教音乐，经过“文艺复兴”的洗礼，王公贵族的扶持，中产阶级及市民的参与，在十八、十九世纪才得以发展成熟，当时的确是与下层人民有距离。但是在如今这个多元合理的社会中，我们可以而且应该接受“音乐无等级”这个观点。随着越来越多的人对严肃音乐的喜爱，二者原有的社会人群的身份地位已经发生了很大变化，只不过是人们的欣赏水平、品位不同，正所谓“萝卜白菜，各有所爱”。如果仅以对音乐的偏好来得出地位的高低，不免有失偏颇。当然，由于通俗音乐大众化、娱乐性而具有的高利润特点，不免受到商业炒作，引导社会舆论过多倾向与此。

另外，通俗音乐与严肃音乐的划分不是绝对的。民族乐派的音乐是严肃音乐，他们的音乐素材很多都取自民间音乐，也就是说他们也有吸收当时人们眼中的“通俗音乐”的元素。而这种吸收恰恰成就了一批音乐家，成就了一个在音乐史上有重要影响的乐派。就音乐剧《巴黎圣母院》而言，取材严肃，形式活泼，气魄宏大，将演唱、舞蹈和特技完美地组合在一起，让观众感到耳目一新，惊叹于舞台魅力的同时又感受到浪漫自由的艺术特质以及催人泪下的音乐表达。谁能说其中没有融入严肃音乐的因素呢？那是不是随着时代的发展，二者的划分也应该有所变化呢？介于二者之间的“边缘音乐”会逐渐的兴起，进一步模糊二者的界限，同时进一步加强二者在技法、构思等方面的沟通，成为一个媒介。其实从内在功能上来看音乐本身就是为了使人得到美的享受，陶冶情操，放松神经，从这个角度来讲，通俗音乐与严肃音乐的划分实际上是不必要的。

下面简单介绍一下通俗音乐的主要类型。

Trip-Hop

Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“Trip+HipHop=Trip-Hop”，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作“Bristol Hip-Hop”。由于把把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的...不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人，他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的）。节奏变慢（有时很慢很慢），加入一些迷幻的味道，如很阴沉，肥厚的Bass，轻微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取样，有时可能连唱片的杂音都会被“故意”取样进去。所谓“Trip”，指迷幻，氤氲的药物「旅程」，所以，Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有Jazz感觉的、迷糊的、带点Hip Hop节奏的Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。

外国Trip-Hop代表人物：Trip-Hop中公认的铁三角：Portishead，Tricky，Massive Attack，Mandalay Moloko Coldcut

World Music

World Music是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐，通常指发展中地区或落后地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。今天大家说的World Music通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。

非洲的King Sunny Ade，东欧的don Byron，中国的朱哲琴，巴基斯坦的Nusrat Fatehali Kahn等是西方乐迷较熟悉的World Music乐手。

New Age

New Age是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。NEW AGE可以是纯Acoustic（即以传统自发声乐器演奏）的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。

New Age很多时与音乐治疗有关，不少New Age音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与New Age思潮哲学有莫大关系。New Age音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐，WINDHAM HILL是最具代表性的New Age唱片公司。

New Age代表乐手有Enya，George Winston，William Ackerman，Yanni，Kitaro等等。

Dream-Pop

Dream-Pop是种“梦”般的流行曲，它有一种迷离的气氛，多Synthesizers（电子合成器）造成，加了ECHO效果的电结他也是重要的成分，歌唱部分往往很’Breathy’即呼吸声重，歌词也往往有梦般的诗意色彩。

代表乐队有Cocteau Twins，Lisa Germano，St.Etienne，This Mortal Coil，My Bloody Valentine，Mazzy Star和Dead Can Dance等。

Classical Pop

Classical Pop是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如The Beatles的“Eleanorrigby”就是。澳洲乐队Crowded House的一些作品也可列入此类。如果说Classical Pop，则是指经典的流行曲。

Acappella

ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是ACAPPELLA，不过今天我们说ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。ACAPPELLA的相反是INSTRUMENTAL，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以ACAPPELLA形式唱出。

香港人最熟悉的ACAPPELLA歌曲是“SO MUCH IN LOVE”，香港ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。

Bossa Nova

BOSSA NOVA是种带JAZZ味道的巴西音乐，1950年代作曲家ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个BAR的第1，4，7，11，14拍为重拍。

歌手JOAO GILBERTO的纯厚歌声是JOBIM音乐的出色拍档，50年代中期传入美国后大受欢迎，其它著名BOSSA NOVA乐手有CHARLIE BYRD，STAN GETZ和ASTRUD GILBERTO等，最著名的歌曲为“THE GIRLFROM IPANEMA”。OSSA NOVA于60年代最流行，其馀年代亦不断有捧场者。

Post Rock

Post-rock是九十年代中期冒起的一种实验性、前卫摇滚乐，多带催眠感觉，风格取自ambient、free-form jazz、avant garde及电子音乐。代表乐队有Tortoise，他们视他们的音乐不是歌，而是不断改变、晚晚新鲜的作品，大部分Post-rock乐队都反主流音乐，也反indie-rock，不过也有些比较pop，如Stereolab等。

Post-rock乐队例子还有Cul De Sac、Ui、Flying Saucer Attack、The High Llamas、Mogwai、Trans Am等。

Britpop

Britpop虽有个“Pop”字，但其实是Rock的一种，源于九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过，Britpop风格其实十分广泛，如Oasis是结他摇滚乐队，Blur则Pop很多，而Pulp则接近Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作Britpop。

英国Britpop代表人物：Oasis Blur Suede Pulp Radiohead

Dub

Dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的Reggae（瑞格，也有称之为雷鬼，一种很有节拍性，唱腔特别的南美黑人音乐）。而将Dub运用在电子乐上，则是将部份歌声抽离，将Bass和鼓声加重，并且加入大量的Echo（回音）等效果。这种技术常在现场表演时，将歌曲重新混音（Remix）呈现。像Massive Attack的专辑protection便由Mad Professor从Trip-Hop音乐混音成了Dub版本。

Electro

早在70年代末，80年代初，那时还没有House，Techno...这类玩意儿，电子音乐也较不盛行，只有Electro这类电子音乐而已。

Electro可说是纯粹以电子合成器（Synthesizer，长得有点像Keyboard）来发声的音乐，通常蛮轻柔的，且常使用Roland公司的鼓机（Drum Machine）TR-808来发鼓声。德国的Kraftwerk乐团可算是代表。

Electro音色比以前明亮，透明许多。后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐，被称作Old School。Fatboy Slim（流线胖小子）也融合了一些Electro和Old School在音乐中。

Jungle

Jungle就是Drum’n’Bass的前身。Jungle的速度比Drum’n’Bass快很多，而且节拍更为复杂，比较强悍，有时会搭配一些Rap，不像Drum’n’Bass会融合一些Jazz，Soul等元素，听起来比较柔，连“摇滚变色龙”David Bowie现在都搞起Jungle了。

Drum’n’Bass

对某些人来说，Drum’n’Bass的音乐可能很烦，因为Drum’n’Bass很注重在节奏上玩花样，还有Bass的表现，像是很快很快，复杂的碎拍，以及运用各种不同的电子鼓，或是取样而来的鼓声。因此Drum’n’Bass也是Breakbeat的一种，4Hero Drum’n’Bass的知名乐团。

Big-Beat

“大节拍”，把Brit-Hop变得更快，节奏更重，更有摇滚的味道，可说是将Brit-Hop改良后，更成熟的一种曲风，你可以想象一下又重又碎，又有点快的节拍是什么样子。如The Prodigy，The Chemical Brothers，Fat Boy Slim即是Big Beat的“大角

Brit-Hop

把黑人Hip-Hop的节奏加快鼓声加重，配合些许电吉他，Bass，有摇滚乐的味道，如The Chemical Brothers的曲风即是。

Break beat

不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律，而是以破碎的节拍呈现，像是切分拍。如在两拍中加入小碎鼓，等等，Breakbeat只是一个总称而已，有很多种音乐都属Breakbeat，如以下的Brit-Hop，Big-Beat，和黑人的Hip-Hop便是一种。

电子音乐

随着时代的演进，音乐家有了更多制作音乐的方法。所谓Electrophonic Music，就是以电子合成器，音乐软体，电脑等所产生的电子声响来制作音乐。电子音乐范围广泛，生活周遭常常能听到，在电影配乐，广告配乐，甚至某些国语流行歌中都有用到，不过以电子舞曲为最。很多人认为电子乐是一种冷冰冰，没有感情的音乐。其实电子乐也可融入Rock，Jazz甚至Blues等多种元素而充满情感的。

电子音乐的类型也是多种多样的，包括House、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、Breakbeat、Brit-Hop、Big-Beat、Trip-Hop、Drum’n’Bass、Jungle、Electro、Dub、Chill Out、Minimalism。但并不是所有的电子音乐都是通俗音乐，Techno、Trance、Chill Out、Ambient、实验性质的Electronic等不包含在通俗音乐中。

民歌 Folk

民歌（Folk）原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始/古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌（Folk），大都是指流行曲年代的民歌（Folk），所指的是主要以木结他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手Woody Guthrie在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌（Folk）的祖师。之后Pete Seeger、The Weavers继续推动这类音乐，六十年代越战，反战民歌手如Bob Dylan，Joan Baez，Peter，Paul And Mary等成为时代的呼声。后民歌向Pop，Rock及都市化发展，Bob Dylan发明了 Folkrock，Simon & Garfunkel发展出中产口味的都市Folk Pop，风行一时。八十年代Suzanne Vega，Tracychapman等走出一种更富都市感觉的Urban Folk（城市）/Contemporary（当代）Folk路线。民歌（Folk）在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌（Folk）的发展是与New Age结合（如Enya），及与Trip Hop结合（如Beth Orton）。

Chamber Pop

Chamber Pop是指典雅、高贵、精致的一种流行乐，它有一定的古典音乐感觉。Chamber Music一词来自古典音乐，中文叫“室内乐”，是种小组弦乐演奏曲式，气氛高雅。Chamber Pop于九十年代兴起，是对当时的LO-FI及Grunge的一种反应，强调优美的旋律、精致的配乐、干净的录音，每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。

外国代表乐队有The Divine Comedy，Rialto，Eric Matthews及Balle & Sebastian等。

Synth Pop

Synth Pop中的“Synth”，即Synthesizer，顾名思义，Synth Pop就是“由Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其它电子乐器如电脑及鼓机等等。Synth Pop于八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲”（3-minutes Pop），很多时候Synth Pop乐手会作入时打扮。

Synth Pop代表组合：Depeche Mode、Human League、Duran Duran、OMD、Gary Numan

Gangsta Rap

Gangsta Rap是Rap的一种，以Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、色欲感受，这是反映现实的一种音乐路向。Gangsta Rap于八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。而不少Gangsta Rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案，部分更因而入狱甚至死亡，可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。

Gangsta Rap化表组合：Ice-T、Ice Cube、Dr.Dre、Snoop Doggy Dogg、2 Pac、Geto Boys。

HOUSE

House（浩室）是于八十年代沿自Disco发展出来的跳舞音乐。

这是芝加哥的DJ玩出的音乐，他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓（Drum Machine）规律的节奏及黑人蓝调歌声混音在一起，House就产生啦！

一般被翻译为“浩室”舞曲，为电子舞曲最基本的型式，4/4拍的节奏，一拍一个鼓声，配上简单的旋律，常有高亢的女声歌唱。Disco流行后，一些DJ将它改变，有心将Disco变得较为不商业化，Bass和鼓变得更深沈，很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。渐渐的，有人加入了Latin（拉丁）、Reggae（瑞格源在西印度群岛）、Rap（说唱）或Jazz（爵士）等元素，至八十年代后期，House冲出地下范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。

R&B

R&B的全名是Rhythm & Blues，一般译作“节奏布鲁斯”。广义上，R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源于黑人的Blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础，Billboard杂志曾介定R&B为所有黑人音乐，除了Jazz和Blues之外，都可列作R&B，可见R&B的范围是多么的广泛。黑人音乐圈大为盛行的Hip Hop和Rap都源于R&B，并且同时保存着不少R&B成分。

迪斯科Disco

discotheque的简称，原意为唱片舞会，起先是指黑人在夜总会按录音跳舞的音乐，70年代实际上成了对任何时新的舞蹈音乐的统称。与摇滚相比，它的特点是强劲的、不分轻重的、像节拍器一样作响的4/4拍子，歌词和曲调简单。1977年，因澳大利亚流行音乐小组“比吉斯”（Bee Gees）的电影录音《周末狂热》在美国掀起迪斯科热。迪斯科经常在录音室进行音响合成，制成唱片，但终因节奏单调、风格雷同，于80年代初逐渐被其它节奏不那么显着、速度稍慢的流行舞曲所代替。

朋克Punk

70年代中期发展起来的一种摇滚乐，或称“朋克摇滚”（punk rock），80年代初扩展到全美国。朋克针对摇滚乐的反抗性减弱这一情况，以一种故意与比较文明的摇滚乐相对立的面目出现。它继承了摇滚乐开始时的反叛精神，蔑视一切传统，蔑视政府、宗教、教育机构等等，但却是用一种更加颓废的方式，极端无政府主义的言行表现出来。他们的唱词淫狠、粗鲁；在舞台上尖叫、跺脚、斗殴；音乐上与硬摇滚比较接近，音响极大，音色浓烈浑厚。代表性乐队有“性手枪”（Sex Pistols）、“撞击”（The Clash）等。

70年代末，从朋克中分离出一支比较能被人接受的、也更带点艺术性的新品种，叫“新浪潮”（New Wave）。

索尔Soul

亦称“灵歌”。1969年，“公告牌”用“索尔”来代替原来对“节奏布鲁斯”的称呼。它是由布鲁斯、摇滚乐与黑人福音歌混合而成的一种黑人流行音乐，演唱时较少演奏乐器。索尔的著名歌手有詹姆斯·布朗（James Brown）、查尔斯（Ray Charles）、雷丁（Ons Red我是菜鸟）、史蒂夫·旺德（Stevle Wonder）、普林斯（Prince）等。

雷鬼（Reggae）

起源于牙买加，70年代中期传入美国。它把非洲、拉丁美洲节奏和类似非洲流行的那种呼应式的歌唱法，与强劲的、有推动力的摇滚乐音响相结合。

说唱Rap

黑人俚语，相当于“谈话”（talking），产自纽约贫困黑人聚居区。它以在机械的节奏声的背景下，快速地诉说一连串押韵的诗句为特征。这种形式来源之一是过去电台节目主持人在介绍唱片时所用的一种快速的、押韵的行话性的语言。莱普的歌词幽默、风趣，常带讽刺性，80年代尤其受到黑人欢迎。最有代表性的乐队是“公开的敌人”（Public Enemy）。莱普有时也称“希普－霍普”（hip-hop）。实际上，希普－霍普的含义更宽，泛指当时纽约街头文化的各种成分，除莱普外，还有：（莱普经常采用的）用手把放在唱机转盘上的唱片前后移动，发出有节奏的刮擦声；唱片播放员（DJ）在转换唱片拼接唱片音乐片断时，听不出中断痕迹的技法；霹雳舞等等。

波普Pop

一种具有强烈节拍的现代流行音乐。一般认为，流行音乐有广义和狭义之分，这里的“波普”是指狭义的流行音乐，如70、80年代著名歌手罗斯（Diana Ross）、里奇（Lionel Richie）、惠特妮·休斯顿（Whitney Houston）、麦当娜（Madonna）、迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）、普林斯（Prince）、珍妮特·杰克逊（Janet Jackson）等人演唱的很多歌曲。

艺术摇滚

于70年代后流行，主要在欧洲，英国人领头，如“穆迪布鲁斯”（Moody Blues）乐队，但在美国也有影响。艺术摇滚把摇滚与古典音乐结合起来，利用电子设备演奏如李斯特、德彪西等作曲家的作品，又称“进步摇滚”（Prosressive rock）。

1.1978年

1978年底，党的十一届三中全会明确提出了以经济建设为中心、改革开放的基本国策。伴随着港台流行音乐这样一种完全新鲜的音乐风格的传入，在音乐创作领域，也是一反过去十几年“高、强、硬、响”的音乐风格，开始创作出一大批优秀的抒情歌曲。中国音乐真正的突破源起于中央电视台1979年录制的风光片《三峡传说》，这部风光片本身并没有引起巨大的轰动，但是作为其中插曲的《乡恋》引起了社会的轰动。《乡恋》是一首怀念故乡的抒情歌曲，歌名起初叫《思乡曲》，1983年中央电视台举办的第一届春节联欢晚会上《乡恋》成为观众点播率极高的歌曲，在热情观众的要求下，李谷一再一次唱响了这首给大家留下了深刻印象的歌曲。中国大陆的通俗音乐迈出了勇敢的一步。

2.1986年

中国大陆通俗音乐真正崛起的标志是1986年百名歌星为纪念“国际和平年”参筹办的《让世界充满爱》音乐会。当时的中国内地，人们对于通俗音乐总体上是不能接受的甚至还有排斥的心理。而《让世界充满爱》在录音后不久，得到了文化部门的支持，这是文化部门第一次对通俗音乐破例。这首歌改变了大众对通俗音乐表现风花雪月、卿卿我我的印象，之后的许多歌曲都沿袭了这首歌的风格，集中表达了中国大众对生活的理想和追求，对人间真情的呼唤。之后，中国的通俗音乐开始分成三类发展：一个是以北方民歌为素材，对民族命运、自身生存方式的批判与反思的“西北风”；一个是在百名歌手演唱会上因《一无所有》而走红的崔健所发起的中国摇滚；另一个就是以齐秦、苏芮为开端，正式登陆内地的港台流行音乐。

3.1993年

到了1994年，内地的通俗音乐一夜之间崛起了一股校园力量，唤醒了每个人那份久违的感动。1994年的校园民谣大部分是用简单的吉他伴奏，旋律简单，饱含着淡淡的感伤和怀旧情绪，将大学校园中的纯真爱情、友情，心中的理想和青春的无悔真实地表达出来。这一阶段中国通俗音乐的另一个特点是借用古典文学的表现手法来反映现代人的思想情感。最典型的代表就是那首让无数人铭记的《涛声依旧》，展示了现代人在变幻莫测的都市生活中仿徨失措的心理。

4.1997年

1997年一首气势恢宏的歌曲《走进新时代》标志着中国的改革开放进入另一个阶段。这首歌，深情反映了对祖国、对人民和一切美好事物的热爱。同时爱情歌曲日渐成为主要潮流，无论是在创作中对艺术的审美性还是在表情达意上都有突破，歌曲的创作更加个人化，个体的瞬间情感体验和生命感悟成为主要表达内容。羽泉的《最美》《深呼吸》，杨坤的《那一天》，孙楠的《不见不散》《你快回来》等等真实地表达了甜蜜、痛苦、执着的感情，这种饱含现代人生存体验的音乐备受推崇。随着网络的迅速发展，一种新兴的音乐形式—网络歌曲诞生了，网络的出现彻底打破了传播的地域界限，传唱在大街小巷的《老鼠爱大米》在网络上迅速走红，另一首极富特点的歌曲当数2005年流行的《猪之歌》，歌中将人们早己熟悉的又懒又脏的猪描绘的十分可爱。